Tema 4. "Un sinfín de posibilidades"

La línea “productora”, que tanto complace y tantos adeptos gana en las escuelas, ofrece una infinidad de recursos, técnicas y materiales. Pero, desde una visión generalmente reduccionista, presente en la institución escolar, las posibilidades quedan reducidas (valga la redundancia) a las “oficiales”, es decir, a las que aparecen recogidas en el currículo.

¿Cuáles son estos elementos oficiales? Basta con abrir el currículo para encontrárnoslos en el primer punto, puesto que son los “fundamentales de la Educación Artística”:

Esos puntos suspensivos, suprimen otros elementos que se quedan en el tintero, con la mala fortuna de que muchos docentes, y de paso alumnos, ni siquiera lleguen a descubrirlos.

Por eso, en clase junto a Imanol, hicimos un repaso de todos ellos:

•           El color y sus dos dimensiones, el valor, que hace referencia al contenido físico, y el significado, que añade al valor las connotaciones de tipo simbólico personal y cultural.
•           La forma, que es figurativa cuando representa figuras reconocibles, y abstracta cuando se compone tras un proceso de simplificación.
•          La mancha y el garabato, los más característicos de Educación Infantil y los más cuestionables. El desarrollo del dibujo recoge el garabateo como el momento previo a la figuración (tema tratado en un trabajo para Amaia Arriaga el curso pasado que adjunto al final). Pero cuando se alcanza este tipo de representación, “oficialmente” el garabateo se abandona, porque se piensa que garabateando, no se está haciendo nada. A pesar de que si nos miramos estamos compuestos por manchas puras, a pesar de que hay artistas que se dedican al garabateo y a pesar de que desde el punto de vista didáctico es positivo no abandonarlo porque genera una gratificación propia (es una especie de juego formal), la representación artística deriva únicamente a la figuración.
•      La textura es la cualidad táctil de los objetos.
•          El ritmo es otro elemento pero no es fácil, por tanto en Educación Infantil no se trabaja.
•          La composición y disposición espacial hace referencia a la articulación de los elementos y las formas en el espacio, en las obras (orden, equilibrio, armonía). Se trata de algo cultural.
•          El movimiento es el último elemento, representa la idea de cambio, transformación. Está presente no tanto en el formato dibujo (al ordenar viñetas), sí en las películas.

Una vez que está claro qué trabajar, es momento de cuestionar el cómo trabajarlos. El currículo también menciona esta cuestión, aunque no especifica demasiado: 

“Manipulación de materiales, texturas, objetos e instrumentos”, “Diferentes materiales, instrumentos y técnicas propios del lenguaje plástico”, “diversas técnicas” son las pinceladas que destacan, principalmente, la variedad del trabajo plástico.

 

Aunque esta referencia se queda un poco incompleta, el currículo también diferencia dos maneras de trabajar: la Instrumental, que considera la técnica como el instrumento que usamos para trabajar algo o enseñar otras cosas (por ejemplo, la fotografía para trabajar las formas –recogido en el tema 3-, el recortar para elaborar imágenes de tipo simbólico –recogido en el tema 2- ). Y la  conceptual, donde la técnica es aquello sobre lo que vamos a aprender (siguiendo con el ejemplo, qué es fotografía, en qué consiste, descubrimiento de fotógrafos famosos…). Que se diferencien no quiere decir que haya que usar una u otra, la mejor opción es ir alternándolas y compaginándolas.

Las técnicas, además de en función del uso, pueden clasificarse según otro criterio como: las tradicionales en Educación Infantil (pintar con los dedos, puntear, amasar, recortar…), las propias del mundo del arte (grabado, semigrafía, tapiz, palos, piedras…) y las procedentes de las Nuevas tecnologías (vídeos, fotografía digital…)

Generalmente, en Educación Infantil, mantienen estos criterios, y pocas veces recurren a técnicas propias del mundo artístico. Por eso me llamo la atención cuando visité el colegio de mi pueblo (CP Virgen de la Oliva, Carcastillo) encontrarme con esto:

Habían utilizado la técnica de la estampación, pero su uso no era del todo instrumental (pusieron sus nombres por poner algo, ya que no la aprovechaban como herramienta para tal), ni tampoco conceptual (nada más aprendieron acerca de su funcionalidad y posibilidades).

Tenemos la suerte de que en Educación Artística podemos utilizar TODAS las técnicas y recursos que hasta el momento he presentado. Claro que con un criterio, será el de seleccionar y empezar por donde sabemos para poco a poco ir aprendiendo con los alumnos. A partir de ahí… ¡dejarnos sorprender!

Y es que, las opciones en arte, son tan variadas como recursos, técnicas y materiales hay, con la ventaja de que materiales, ¡son todos! Todo lo que está a nuestro alrededor se convierte en una oportunidad y posibilidad, sólo que para descubrirlo y ser capaz de seleccionarlo y utilizarlo, hay que saber observar, construir esa mirada, esa sensibilidad estética que llevo mencionando y formando a lo largo de esta andadura. 

Tiene que ver con la idea de cazar imágenes singulares, extraordinarias en el mundo cotidiano, sólo que en este caso, no serán imágenes, sino materiales.

Un artista que combina estas dos perspectivas, es Andy Goldsworthy, como ícono del Landart que es. Tiene esa sensibilidad estética de la que hablaba para ver más allá de las posibilidades que los elementos de su alrededor presentan (capacidad que también comparte Chema Madoz, aunque a un nivel más formal que éste, más filosófico). De la propia naturaleza selecciona los materiales para construir sus obras, también en un marco natural, tras un proceso pausado y lleno de incertidumbres protagonizado por la interacción entre los agentes de la naturaleza y él.

Utiliza la fotografía como técnica para documentar su trabajo y exponerlo, hablar de sus esculturas y describirlas. A la cuestión de la documentación hacía referencia en el tema 1, donde la abarcaba más profundamente.

Además es interesante la manera en que trabaja contenidos curriculares como el espacio, puesto que usa el mismo espacio como soporte de su obra. Y como el color, extrayendo la pintura de los propios materiales, como los pigmentos de los minerales o las mismas piedras y hojas, dándole una connotación: el negro es la profundidad, el abismo, de dónde venimos, a dónde vamos. El rojo es la sangre, la vida, la energía la violencia…

Esta fuerte y compleja relación filosófica de sus obras con la vida, contrasta con la sencillez y la facilidad que transmite en la realización de las mismas. Precisamente así, con paciencia y perseverancia, consigue resultados realmente impactantes, tan chocantes como efímeros, que por el hecho de construirlos en la propia naturaleza están sometidos a inesperados cambios. 

Precisamente este aspecto vincula el trabajo de Goldsworthy con la cultura visual actual: impactante e inestable, cambiante. Y si así son las imágenes, así se construyen los niños: con un afán por tenerlo todo en el momento, sorprenderse, pero cansarse pronto de eso, y cambiar. 

Del mismo modo, su obra recuerda al modo de actuar de los niños (íbamos buscando tizas y tratando de descubrir elementos que pintasen a todas horas) y al modo hacer de los niños, en tanto que los mejores juegos infantiles, por sorprendentes, inciertos y variables, son los que nacen de materiales naturales y cotidianos. Como experiencia personal los ejemplos son muchos, desde salir al cuadrado de la arena, hacer castillos con las cartas, cabañas en la huerta con maderos y matorrales, fortalezas con muros de nieve para preparar una guerra, contemplar el dibujo de una piedra al caer al agua, apostar por una gota de agua en la carrera por el cristal mientras llueve, y un largo etcétera.  Esto pone de manifiesto, una vez más, el carácter investigador y científico de la infancia y del arte (tema 3).

Otro aspecto que comparte Andy Goldsworhty con los niños es el asombro mismo hacia la naturaleza, y el deseo por actuar en ella, con ella, descubriendo y dejando que ésta te sorprenda. “El mundo y quien lo percibe se definen recíprocamente” decía Franc Vanela y recoge el vídeo A Malaguzzi desde Pamplona. Momentos. Cantos entre balbuceos, reflejando que no hay una forma neutra de conocer, porque es subjetiva e intersubjetiva de la persona y la cultura.

Al hilo de las similitudes entre Goldsworthy, el vídeo de Malaguzzi y la infancia, está el tema de la incertidumbre: Decía Edgar Morin (leído en A Malaguzzi desde Pamplona. Momentos. Cantos entre balbuceos) “Acepto la contradicción y la incertidumbre; pero al mismo tiempo, la conciencia de esta dificultad me llama a luchar activamente contra ella”. La incertidumbre de Andy ante un agente cambiante e incierto como la naturaleza, la incertidumbre de cualquier educador ante unos niños en constante descubrimiento y construcción, “la belleza del abismo de la duda que la infancia nos reclama no perder”. Así como la consciencia, previa a la palabra, de la transformación que tanto Andy como los niños realizan. 

 Centrándome en el vídeo, aparecen una multitud de materiales plásticos que se dejan modificar y suscitan preguntas con infinitas respuestas. A través de la experimentación-investigación, medición-comparación, transformación y repetición, van comprobando sus hipótesis, van afirmando lo que creen saber. Lo bueno de esto es “el placer de ver que las transformaciones pueden continuar eternamente”.

Los encargados de conseguir que todo esto se dé o no, somos los educadores. Como tales no podemos dejar de intervenir en la oferta de oportunidades para la experiencia. Y es que, como decía Ortega y Gasset, “somos una parte de todo lo que nos hemos encontrado”. Por eso, cuanta más rica sea y más diversidad haya en lo que descubren por si mismos o les presentamos nosotros, mayor sensibilidad y capacidad de relación sensible tendrán con el mundo. Y es nuestra tarea proporcionarles esa riqueza y pluralidad en las situaciones. ¿Por qué? Porque cuando eres capaz de comprender el mundo de muchas maneras, eres capaz de comprender que otros ven el mundo de otra forma distinta a ti, y entenderlo. ¿Cómo conseguirlo? La Educación Artística contribuye a la construcción de esta mirada sensible, a partir de la sensibilidad estética.

Precisamente educar consiste en eso, desarrollar una sensibilidad hacia lo que nos rodea, para comprender el mundo y, siendo capaces de entenderlo, poder participar de manera crítica en la sociedad.

Como decía, la Educación Artística contribuye en gran medida a ello con las infinitas posibilidades que nos ofrece. Aunque en las aula se suele recurrir a los mismos materiales y técnicas de siempre, cuando el abanico de opciones es inmenso. Para no olvidarme nunca de esto, y “predicar con el ejemplo” cuando tenga la oportunidad de trabajar, a continuación presento un cuadro que nos propuso Imanol donde visualmente se reconocen estas posibilidades y oportunidades de las que hablo, como resultado de la combinación de los diferentes usos del arte trabajados hasta ahora (en tema 2 y 3) con algunos de los elementos, técnicas y materiales vistos aquí.

El cuadro es una muestra de los recursos expresivos y formales de los que disponemos, para elegir unos u otros en función de lo que nos interese trabajar. Incluye algunas de las propuestas que yo he ido haciendo en otros temas del portafolios y propuestas que vimos en clase que trabajan en esta línea, para ejemplificar en qué consistiría su uso.

Sin embargo, la concepción de infancia y arte sigue truncada en la mente de muchas personas, entre ellas maestras y responsables de editoriales, que convencidos piden a los niños que busquen los recursos dentro de ellos mismos, cuando en realidad, tal y como hemos visto están a nuestro alrededor y podemos usarlos todos. Cómo los mezclemos y combinemos (siguiendo la idea del cuadro), será la “marca personal” de cada uno. Como lo es este mismo trabajo.

Por eso, en el colegio al que yo fui para buscar información, me encontré con que había múltiples propuestas dedicadas a trabajar técnicas y materiales, sí, pero eran los de siempre y por separado, los que al comienzo denominaba “oficiales”. Por muy innovadoras que trataban de ser las propuestas del lenguaje plástico de la editorial SM, se limitaban a eso:

 Acuarelas,

recortar (ojo, ¡de revistas!) y pegar sobre cartulina,

Manipular arcilla y plastilina + cola blanca,

Pintura de dedos,

Ceras,

 

Algodón,  

Lana y papel de seda,

Papel pinocho y tela blanca.

Y por si no fuera suficiente con la utilización de técnicas y materiales meramente tradicionales de Educación Infantil, la gran mayoría se usan con la finalidad de, simplemente, “completar la reproducción de un cuadro”.

Pocos son los ejemplos encontrados que empleen materiales de la naturaleza o de la vida cotidiana y técnicas propias del arte:

Hojas de árbol y técnica de impresión,

Cuerda, pajitas,

 papel de cocina.

Esta última es la que voy a utilizar para hacer el análisis y la propuesta. 

Fase 1: ANÁLISIS

Me sorprende encontrarme con una actividad que trabaje el trazo sobre un soporte que no es el folio ni la cartulina, aunque sea papel al menos es de cocina. Además, atiende al primero de los contenidos del Bloque 3-Lenguaje artístico: Experimentación y descubrimiento de algunos elementos que configuran el lenguaje plástico (línea, forma, color, textura, espacio…)

Es de experimentación, en tanto que en el papel hay muchos surcos, tantos como posibilidades de repasarlos. Es descubrimiento porque según la línea que se siga, aparecen formas que habrán aprendido (círculo, cuadrado, espiral…)

Además, me extraña que no aparezca relacionada con una obra con la que, en el resultado,  guarda cierto parecido. “Estudio de color. Cuadrados con círculos concéntricos” de Kandinsky:

La actividad queda incompleta porque usa el arte como distracción y no como una herramienta, que sería el enfoque que le faltaría.

El resultado de la actividad que aparece en la imagen, es el que proporciona la editorial. Con esto quiero decir, que no existe la certeza de que los alumnos vayan a obtener dichos resultados, y tengo la impresión de que muchas maestras mostrarán el ejemplo con la intención (o no) de que sus alumnos los reproduzcan (infancia simplificada).

Por eso, aunque la idea me parece correcta, la puesta en práctica de la misma creo que es lo que puede generar menos discusión y aprendizaje.

No considero que entre los objetivos que trabaja se encuentre el “trabajo en equipo” puesto que cada uno hacer un papel y luego juntarlos y pegarlos juntos, no es trabajo en equipo.

Fase 2: MODIFICACIÓN O ENRIQUECIMIENTO

El papel de cocina ofrece la oportunidad de trabajar, además de las formas marcadas, la textura de un papel diferente. Esto supone, que al cambiar el soporte, los materiales con los que se dibuja o pinta sobre él reaccionen diferente. 

Con lo cual, la primera parte de la propuesta irá enfocada al contacto con los materiales desde un enfoque científico: además de rotuladores, se presentarán acuarelas, sprays, tomate frito y fairy. Se discutirá y debatirá para construir hipótesis acerca de cómo va a reaccionar el papel de cocina ante ese elemento enfocadas hacia si lo absorberá y el papel se romperá, o si lo conservará. La formulación de las hipótesis estará argumentada con experiencias (pues yo una vez limpié con papel de cocina el tomate que se me cayó a la mesa y…), o con razones (como la acuarela es muy líquida, el papel la va a absorber, etc.).

Posteriormente comprobarán sus hipótesis experimentando y manipulando los materiales.

La segunda parte de la propuesta está pensada para trabajar lo que la propia actividad planteaba: destreza con el trazo y composición de formas geométricas. Para ello, repasaremos los trazos que dan lugar a unas formas geométricas concretas. Un ejercicio para practicarlo puede ser la maestra en la pizarra va dando indicaciones sobre el sentido que tiene que seguir el lápiz, mientras ella lo dibuja y los niños de espaldas a ella también lo hacen sobre un soporte x. Para trabajar formas cuadradas, la línea del trazo será recta, por lo tanto, la maestra indicará algo del tipo: lo que vamos a dibujar ahora son palos, duros, no pueden doblarse. Mientras que cuando se trabajen las formas circulares, la línea será curva y se identificará con una serpiente, por ejemplo. 

A continuación se procederá a la experimentación con el soporte de cocina y el material que hayan considerado más adecuado para trabajar sobre él. Serán ellos quienes descubran en el papel las formas previamente trabajadas y jueguen con ellas.

Por último, se recogerán ideas de “para qué nos sirve el trazo y las formas geométricas”. Y se invertirá el orden de “obra pictórica à nuestro trabajo”. Así que, tras realizar nuestro trabajo, lo compararemos con la obra que mencionaba en la fase anterior: ¿en qué se parecen? ¿lo habrá realizado siguiendo el mismo proceso? ¿para qué lo habrá hecho? ¿estará aprendiendo las formas geométricas? Cuestiones de este estilo que nos acerquen no sólo al cuadro, sino al autor y al proceso que le ha llevado a componer esa obra.

Fase 3: CONTEXTUALIZACIÓN

Las posibilidades didácticas son inmensas, siempre y cuando se esté trabajando dentro de un proyecto, porque la actividad aislada no tiene sentido.

Concretamente, esta propuesta podría encajar en un proyecto que naciera con el deseo de descubrir soportes nuevos sobre los que dibujar y materiales nuevos con los que pintar que tanto les gusta. Porque si siempre es sobre el mismo papel y con las mismas pinturas, aburre. Igual que descubrimos el papel de cocina (se le ha podido ocurrir a un niño, o por iniciativa de la maestra), podemos descubrir un trapo de cocina (siguiendo con elementos de esta parte de la casa), el papel del baño, las bolsas de basura, el suelo, la arena de la playa… junto a las oportunidades que presentan y posibilidades que nos ofrecen.

Cuando trabajar el arte con los niños, en este caso las técnicas y materiales puede llevarte por tantos caminos, es una pena que la evaluación final que se propone desde la editorial (concretamente con la que trabajan en el CP Virgen de la Oliva) queda reducida a esto:

OTROS RECURSOS: